• Art Must Be Beautiful, Artist Must Be Beautiful

  • A Luciana Brito Galeria tem o prazer de anunciar a mostra “Art must be Beautiful, Artist must be Beautiful”, de forma a destacar a presença das artistas mulheres e reforçar a importância de suas pesquisas para o programa da galeria. O título, que além de fazer uma referência a obra homônima de Marina Abramovic, resume em poucas palavras o conceito do projeto, cujo objetivo é justamente de apresentar trabalhos significativos e representativos dentro da potência da investigação artística de cada uma delas: Fabiana de Barros (1957, São Paulo), Liliana Porter (1941, Buenos Aires), Regina Silveira (1939, Porto Alegre), Rochelle Costi (1961, Caxias do Sul), Marina Abramovic (1946, Belgrado, Servia), Paula Garcia (1975, São Paulo). Dentro desse conjunto, a obra de Rochelle Costi, “Coleção da Artista”, ganha um significado especial não apenas por representar um contraponto à obra de Marina Abramovic, mas também por funcionar como catalisador para esse conjunto pensando pela curadoria. 

     

    “Art must be Beautiful/Artist must be Beautiful”, 1975-2010, de Marina Abramovic, é uma das suas obras mais emblemáticas. Trata-se do registro da performance onde ela é incisiva na crítica ao circuito da arte através do limite físico do próprio corpo feminino. Em um momento histórico, a artista escova com violência seus próprios cabelos, símbolo estético da feminilidade, até a exaustão, ao mesmo tempo em que repete a frase título da obra. Um trabalho que remete a resistência da mulher no campo muitas vezes austero da arte contemporânea. A obra de Paula Garcia, “Crumbling Body (documentação de performance #2)”, 2015, também fala de resistência. A artista cria situações de embate físicos e psicológicos para associar conceitos relacionados ao corpo a temáticas atuais, apoiando-se em teorias acadêmicas, como a filosofia.  

     

    A galeria também apresenta obras das artistas Regina Silveira e Fabiana de Barros. Regina Silveira, uma das artistas mais representativas da história da arte brasileira, apresenta a obra inédita “Corredores para Abutres”, 1982-2020, uma série de desenhos históricos que mostram os possíveis caminhos percorridos pelos pássaros (ou metáforas para outras interpretações mais pejorativas para “abutres”), recentemente gravados a laser sobre placas de ardósia. Já Fabiana de Barros (que desde 1996, forma dupla com Michel Favre - FABMIC), traz uma abordagem multimídia engajada em assuntos de cunho social. As gravuras da série “Auto Psi”, 2007, retratam histórias diversas de pessoas que participaram do projeto homônimo de ação urbana, onde os artistas propunham a troca de uma viagem de táxi por histórias criadas a partir de imagens apresentadas.

     

    A obra de Liliana Porter trabalha a ambiguidade existente entre a realidade e a representação. Sua visão sensível da natureza humana a conduz para um viés mais lúdico, ao passo que também pode ser irônico ou até sádico. Em “Situation with Roller Barrel”, 2008, Liliana Porter utiliza pequenos objetos para criar uma das chamadas “vinhetas teatrais”, ou seja, uma situação que problematiza as mazelas da nossa consciência. Rochelle Costi trabalha a memória afetiva, acionada pelo dispositivo da imagem. Sua pesquisa parte de seu próprio repertório imagético, tornando o colecionismo e a fotografia elementos importantes e complementares. A instalação inédita, “Coleção da Artista”, 1993-2020, é uma síntese poética da investigação da artista. Ao longo de quase quarenta anos, ela reuniu trezentos corações, símbolo ao mesmo tempo paradoxal, seja pelo romantismo muitas vezes piegas das emoções, seja pela força pulsante que oxigena, pulsa e mantém a vida.

     

    Luciana Brito Galeria is pleased to announce the show Art must be Beautiful, Artist must be Beautiful, underscoring the presence of women artists and reinforcing the importance of their research for the gallery’s program. The title is a nod to the homonymous work by Marina Abramovic while tersely summarizing the concept of the project, aimed specifically at presenting significant and representative works by the artists featured in the show: Fabiana de Barros (1957, São Paulo), Liliana Porter (1941, Buenos Aires), Regina Silveira (1939, Porto Alegre), Rochelle Costi (1961, Caxias do Sul), Marina Abramovic (1946, Belgrade, Serbia), and Paula Garcia (1975, São Paulo). Within this set, the work by Rochelle Costi, Coleção da Artista [Artist’s Collection], gains special meaning not only for representing a counterpoint to the work by Marina Abramovic, but also for catalyzing this selection conceived by the curatorship.

     

    Art must be Beautiful/Artist must be Beautiful, 1975–2010, by Marina Abramovic, is one of her most emblematic works. It is recording of a performance where she incisively criticizes the art circuit through the physical limit of the female body itself. At a historic moment, the artist violently brushed her own hair, an aesthetic symbol of femininity, until exhaustion, while repeating the title phrase over and over. This action refers to the resistance of the woman in the often austere field of contemporary art. The work by Paula Garcia, Crumbling Body (documentação de performance #2) [Crumbling Body (documentation of performance #2), 2015, also speaks of resistance. The artist creates situations of physical and psychological clashing to allude to concepts related to the body and to associate them with current thematics, supported by academic theories, such as philosophy.

     

    The gallery is also presenting works by the artists Regina Silveira and Fabiana de Barros. Regina Silveira, an artist highly representative of the history of Brazilian art, is presenting the never-before-shown work “Corredores para Abutres” [Corridors for Vultures], 1982–2020, a series of historic drawings that show the possible paths taken by birds (or, metaphorically, by other more pejorative interpretations of “vultures”) and was recently engraved by laser on slate slabs. For her part, Fabiana de Barros (who since 1996 has formed the artist duo FABMIC together with Michel Favre), is presenting a multimedia approach concerning social issues. The prints of the series Auto Psi, 2007, portray various stories of people who participated in the urban action of the same name, where the artists offered a free a taxi trip in exchange for stories created on the basis of images they showed to the passenger.

     

    The work by Liliana Porter deals with the ambiguity existing between reality and representation. Her sensitive view of human nature leads her along a more playful path, which can, however, also be ironic or even sadistic. In Situation with Roller Barrel, 2008, Liliana Porter uses small objects to create one of her so-called theatrical vignettes, that is, a situation that problematizes the wounds of our consciousness. Rochelle Costi works with emotional memory, through the device of the image. Her research is based on her own repertoire of imagery, using the practices of collecting and photography as important and complementary elements. The installation Coleção da Artista, 1993–2020, being shown here for the first time, is a poetic summary of the artist’s investigation. Throughout nearly 40 years, she has gathered 300 hearts, a paradoxical symbol that can refer to either sentimental romanticism or an oxygenating pulse of life.

     

     

  • Fabiana de Barros

    1957. São Paulo. Lives and works in São Paulo, Brazil and Geneva, Switzerland.

    “[...] Diferentemente, as reações previstas são incalculáveis, de uma diversidade incompatível com o discurso científico. É o que se pretenderia provar num percurso inverso - das imagens à performance - em uma ação […] denominada “AUTO PSI”. Passageiros de táxi são submetidos a uma “fantasia consciente induzida” através da apreciação de lâminas temáticas onde figuram quadros do Teste de Apercepção Temática (TAT); podem ser lidas, por exemplo, como cenas de mágica, circenses: um homem hipnotiza uma mulher que parece estar dormindo ... Seria, assim, uma investigação que tem como pressuposto a reflexão artística, apesar de estar camuflada em discurso científico como o trecho de Barnett Newman: “Sem dúvida o primeiro homem era um artista. Uma ciência da paleontologia fundamentada nessa afirmação poderia ser formulada se partisse do postulado de que o ato estético sempre antecedeu o ato social”. ” Rafael Vogt Maia Rosa

     

    “[...] On the other hand, the expected reactions are incalculable, of a diversity incompatible with scientific discourse. This is the aim to be proven in a reverse path – from images to performance – in an action […] called AUTO PSI. Taxi passengers are subjected to an “induced conscious fantasy” when they are shown cards with images from a Thematic Perception Test (TAT). They can be read, for example, as scenes of magic, of circuses: a man hypnotizes a woman who seems to be sleeping ... It would thus be an investigation based on artistic reflection, despite being camouflaged in scientific discourse such as the excerpt from Barnett Newman: “Undoubtedly the first man was an artist. A science of paleontology based on this statement could be formulated if it started from the postulate that the aesthetic act always preceded the social act.” Rafael Vogt Maia Rosa

    Fabiana de Barros, 1957. São Paulo. Lives and works in São Paulo, Brazil and Geneva, Switzerland.

    Fabiana de Barros & Michel Favre

    "Auto Psi - écoutez des images, regardez des histoires", 2007

    serigrafia | silkscreen

    59,2 x 42 cm |  23.42 x 16.53 in

    ed 10/19

    • Fabiana de Barros & Michel Favre Auto Psi - écoutez des images, regardez des histoires, 2007 Serigrafia Silkscreen 59,5 x 42 cm 23.42 x 16.53 in Ed 10/19
      Fabiana de Barros & Michel Favre
      Auto Psi - écoutez des images, regardez des histoires, 2007
      Serigrafia
      Silkscreen
      59,5 x 42 cm
      23.42 x 16.53 in
      Ed 10/19
    • Fabiana de Barros & Michel Favre Auto Psi - écoutez les images, regardez des histoires, 2007 Serigrafia Silkscreen 59,5 x 42 cm 23.42 x 16.53 in Ed 10/25
      Fabiana de Barros & Michel Favre
      Auto Psi - écoutez les images, regardez des histoires, 2007
      Serigrafia
      Silkscreen
      59,5 x 42 cm
      23.42 x 16.53 in
      Ed 10/25
    • Fabiana de Barros & Michel Favre Auto Psi - écoutez des images, regardez des histoires, 2007 Serigrafia Silkscreen 59,5 x 42 cm 23.42 x 16.53 in Ed 10/25
      Fabiana de Barros & Michel Favre
      Auto Psi - écoutez des images, regardez des histoires, 2007
      Serigrafia
      Silkscreen
      59,5 x 42 cm
      23.42 x 16.53 in
      Ed 10/25
  • Liliana Porter

    1941. Buenos Aires, Argentina. Lives and works in New York, USA

    A imagem básica na obra de Liliana Porter procede da cultura de massa, de figuras criadas neste círculo e por ele utilizadas, desde personagens de desenhos animados a ícones políticos e religiosos. Figuras diferentes em forma e conteúdo convivem sobre fundos neutros, que indicam que elas existem em um mundo autônomo e que não são metáforas do nosso.  Ressalta José Luiz Blondet: “o que é é somente o que é. E não é nada. Daí o sentido esperançoso e trágico ao mesmo tempo. As situações são fáceis de entender e ler. Estão claramente delineadas e não há distrações ao redor.”

     

    Com relação às pinturas, a artista afirma que “ao pensar na tela, todos imaginam uma situação diferente da que crio”. Suas pinturas levam adiante a constatação de que não há uma linha precisa entre imagem e representação, entre espaço real e virtual, ignorando os limites da tela, lançando-se para fora, ocupando a própria parede ou o trabalho vizinho. José Luis Blondet comenta que “Porter pinta os fundos quase invisíveis das telas para fazê-las mais visíveis como suporte da ação, como silêncio que acompanha o diálogo”.

     

    The basic image in Liliana Porter’s oeuvre is taken from mass culture, from figures created in this sphere and used by it, ranging from animated cartoon characters to political and religious icons. Figures with different forms and content coexist on neutral backgrounds, with every indication that they exist in their own autonomous world, not being metaphors of ours. In the words of José Luis Blondet: “What is, is only what it is. And it is not nothing. This is what gives rise to the meaning which is both hopeful and tragic at the same time. The situations are easy to understand and to read. They are clearly delineated and there are no distractions surrounding them.”

     

    In relation to the paintings, the artist states that “when thinking about the canvas, everyone imagines a situation different from the one I create.” Her paintings are based on the premise that there is no precise line between the image and depiction, between real and virtual space; ignoring the boundaries of the canvas, they extend outward, occupying the wall or the neighboring artwork. José Luis Blondet comments that “Porter paints the almost invisible backgrounds of the canvases to make them more visible as the support of the action, like a silence accompanying the dialogue.”

     

     

    Liliana Porter, 1941. Buenos Aires, Argentina. Lives and works in New York, USA

    "Untitled with Black and White Paint", 2008

    Técnica mista e assemblage sobre tela | Mixed media and assemblage on canvas

    116,8 x 182 cm | 45.98 x 71.65 in

  • Marina Abramovic

    1946. Belgrade, Serbia. Lives and works in New York, USA

    Em sua performance de 1975, "Art Must Be Beautiful Artist Must Be Beautiful" Marina Abramović posicionou sua cabeça e ombros na frente de uma câmera. Por mais de cinquenta minutos ela escovou o cabelo com extrema força enquanto repetia continuamente a frase "a arte deve ser bela artista deve ser linda". A repetição das palavras e a intensidade da ação física levaram o espectador a questionar convenções de beleza, arte e o feminino na sociedade e na cultura.

     

    “Escovo meu cabelo com uma escova de metal que seguro com a mão direita. Simultaneamente penteio meu cabelo com um pente de metal que seguro com a mão esquerda. Enquanto faço isso, repito continuamente “A arte deve ser linda, o artista deve ser lindo” até machucar o rosto e despentear todo o cabelo.” Marina Abramovic

     

     

    In her 1975 performance ‘Art Must Be Beautiful Artist Must Be Beautiful’ Marina Abramović positioned her head and shoulders in front of a camera. For over fifty minutes she brushed her hair with extreme force while continuously repeating the sentence “art must be beautiful artist must be beautiful”. The repetition of the words and building intensity of the physical action led the viewer to question conventions of beauty, art, and the feminine in society and culture.

     

    “I brush my hair with metal brush in my right hand and simultaneously comb my hair with a metal comb in my left hand. While doing so, I continuously repeat “Art must be beautiful, artist must be beautiful” until hurt my face and damage my hair.” Marina Abramovic

    Marina Abramovic, 1946. Belgrade, Serbia. Lives and works in New York, USA

    "Art Must Be Beautiful / Artist Must Be Beautiful", 1975 / 2010

    20 impressões em gelatina de prata | 20 silver gelatin prints

    64 x 75 cm cada (each) | 106.29 x 153.54 in (25.19 x 29.52 in each)

    Ed 2/3

  • Paula Garcia

    1975. São Paulo, Brazil. Lives and works in São Paulo, Brazil and New York, USA

    Documentação de 540 horas de performance que ocorreu por 2 meses no SESC Pompéia em São Paulo.

     

    A performance de longa duração ocorreu em 03/09/2015 para 05/10/2015 – Terra Comunal / Marina Abramovic + MAI – Curator: Marina Abramovic and Paula Garcia – SESC Pompeia in Sao Paulo, Brasil. A ação confronta as sensações de peso e leveza para coletar sucata com ímãs. Paredes e teto são impregnados com força magnética; à medida que as partes e detritos se espalham, uma espécie de espaço invertido acontece. Durante dois meses, seis dias por semana, oito horas por dia, o artista trabalha nesta sala jogando resíduos de ferro, até 30 quilos, nas paredes e no teto magnetizado. Depois de encher as paredes e o teto, as peças são removidas e colocadas no centro da sala e jogadas nas paredes e no teto novamente, a ação se repete por dois meses.

     

     

    Documentation of 540 hours performance held for two months at SESC Pompéia in São Paulo

    The long-duration performance was held from September 3 to October 5, 2015, as part of the event Terra Comunal / Marina Abramovic + MAI, curated by Marina Abramovic and Paula Garcia, at SESC Pompeia in Sao Paulo, Brazil. The action confronts the sensations of heaviness and lightness by gathering scrap metal with magnets. The walls and ceiling are impregnated with magnetic force; as the parts and debris spread, a kind of inverted space takes place. For two months, six days a week, eight hours a day, the artist works in this room throwing iron waste, weighing up to 30 kilograms, at the magnetized walls and ceiling. After filling the walls and ceiling, the pieces are removed and placed in the center of the room, only to be then thrown on the walls and ceiling again. This action is repeated for two months.

    Paula Garcia, 1975. São Paulo, Brazil. Lives and works in São Paulo, Brazil and New York, USA

    "Crumbling Body" (Documentação de performance #1), 2015

    impressão a jato de tinta sobre papel | inkjet print on paper

    160 x 200 cm | 62.99 x 78.74 in

    Ed 1/3

  • Regina Silveira

    1939. Porto Alegre, Brazil. Lives and works in São Paulo, Brazil

    "A série gráfica Corredores para Abutres foi realizada originalmente em microfilme, para  participar da coletiva ARTEMICRO, uma exposição organizada pela própria artista em colaboração com Rafael França e inaugurada no Museu da Imagem e do Som, em São Paulo, 1982, com itinerância posterior,  no Brasil e no exterior.

     

    O conjunto dos Corredores para Abutres foi tema de uma publicação do Atelie Editorial, SP, em 2003,  mas só agora tem uma versão permanente constituida por 11 imagens gravadas a laser sobre  placas de pedra ardósia.

     

    Os labirintos sobrevoados por um ou, às vezes, dois abutres foram concebidos e desenhados geometricamente, a partir de diagramas cientificos que mostram como alguns pássaros se aproveitam de correntes de ar para seus deslocamentos. Nos Corredores  para Abutres esses percursos são propositalmente  catastróficos: os abutres ficam presos, se chocam ou mergulham em abismo." Regina Silveira, 2020

     

    "The graphic series “Corredores para Abutres” was originally conceived in microfilm, to take part in the collective exhibition ARTEMICRO, organized by the artist herself in collaboration with Rafael França and inaugurated at the Museu da Imagem e do Som in São Paulo, 1982, with posterior travelling exhibitions in Brazil and abroad.

     

    The set of  “Corredores para Abutres” was the subject of a publication of Atelie Editorial, SP, in 2003, but only now has a permanent version consisting of 11 laser engraved images on slate stone plates.

     

    The mazes flown by one or sometimes two vultures were designed and drawn geometrically, from scientific diagrams which show how some birds take advantage of wind drafts for their displacements. In “Corredores para Abutres” these routes are purposely catastrophic: vultures get trapped, crash or plunge into abyss." Regina Silveira, 2020

     

    Regina Silveira, 1939. Porto Alegre, Brazil. Lives and works in São Paulo, Brazil

    "Corredores para Abutres", 1982 / 2020

    gravação sobre ardósia | engraving on clay slate

    40 x 500 cm aprox. | 40 x 40 cm cada (11 peças)

    15.74 x 196.85 in approx. | 15.74 x 15.74 in each (11 pieces)

     

     

  • ROCHELLE COSTI

    ROCHELLE COSTI

    "Coleção da Artista", 1993 / 2020

    cerca de 200 objetos representando o coração, números adesivados | aprox. 200 objects representing the heart, numbered

    260 x 600 cm aprox. | 102.36 x 236.22 in approx.

  • Rochelle Costi

    1961. Caxias do Sul, Brazil. Lives and Works in São Paulo, Brazil

    “ “Coleção da artista” se trata da reunião de centenas de objetos que representam corações coletados pela artista há mais de duas décadas. Retirados do seu âmbito doméstico (precisamente de seu quarto) para o espaço institucional, são mostrados também com números que mais ficcionalizam do que informam; na ausência de um indicador que aponte a origem e a história por trás de cada um deles, cabe novamente a ação imaginativa por parte do espectador.” Raphael Fonseca

     

    “Coleção da artista [Artist’s Collection] is about the gathering of hundreds of objects that represent hearts collected by the artist for more than two decades. Taken from their domestic context (precisely from her bedroom) to the institutional space, they are also shown with numbers that present a quality that is more fictitious than informative; in the absence of an indicator that points to the origin and history behind each of them, the viewers must use their imagination.” Raphael Fonseca

     

    Rochelle Costi, Coleção da Artista, 1993 / 2020

    "Coleção da Artista", 1993 / 2016

    impressão jato de tinta sobre papel de algodão | inkjet print on cotton paper

    120 x 124 cm | 47.24 x 48.81 in

    Ed 2/3

  • Para proteger os nossos visitantes e funcionários e para prevenir a disseminação do COVID-19, é obrigatória a visita com hora marcada e o uso de máscara durante toda a permanência no estabelecimento. Visitantes devem manter o distanciamento social apropriado e levar em consideração o horário marcado para a visita.

    Horário de funcionamento : Segunda - Sexta, 13h - 18h

    info@lucianabritogaleria.com.br | +55 11 3842-0634

     

    To protect our visitors and staff, and mitigate exposure to COVID-19, appointments are mandatory, face coverings are required for entry and must be worn at all times. Visitors must maintain proper social distance and be mindful of the allotted time. ⁠ 

    Visiting hours : Monday - Friday, 1 pm - 6 pm

    info@lucianabritogaleria.com.br | +55 11 3842-0634

  • Clique aqui para agendar uma visita à galeria | Click here to book an appointment